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892 – Recensione – Sundance 2022

John Boyega dimostra una grande maturità con la sua interpretazione nel film 892, ispirato alla storia vera di Brian Brown-Easley.
Abi Damaris Corbin, che ha firmato la sceneggiatura insime a Kwame Kwei-Armah, ha attinto all’articolo di Aaron Gell They Didn’t Have to Kill Him per raccontare una storia di disperazione e mancanza di sostegno da parte delle autorità.
Al centro della trama c’è un ex marine che si è visto negare il suo assegno di disabilità mensile, che ammonta ai 892 dollari che danno titolo al progetto, e si ritrova alle prese con frustrazione, rabbia e angoscia nel pensare al futuro della figlia.
Brian decide quindi di entrare in una banca e cercare di ottenere l’attenzione dei media avvicinandosi a una cassiera, Rosa Diaz (Selenis Leyva), e scrivendo un biglietto in cui sostiene di avere una bomba. L’obiettivo dell’uomo non è però compiere una rapina e lascia uscire tutti dalla struttura, con l’eccezione di Rosa e di un’altra dipendente, Estel Valerie (Nicole Beharie). Brian cerca, inutilmente, di ottenere la visibilità che pensa di meritare e contatta la reporter Lisa Larson (Connie Britton). Le autorità, invece, sembrano essere divise sull’approccio da seguire: Eli Bernard (Michael Kenneth Williams) vorrebbe negoziare e raggiungere una conclusione pacifica, mentre la polizia non sembra disposta ad ascoltare le motivazioni dell’uomo coinvolgendo anche la moglie di Brian, Cassandra (Olivia Washington), che si ritrova a vivere l’esperienza insieme alla figlia Kiah (London Covington) interagendo con persone apparentemente prive di empatia.


Boyega è convincente in ogni momento della drammatica storia, dalla tenerezza con cui interagisce nei flashback e nelle telefonate con Kiah, agli attimi in cui perde totalmente il controllo a causa della crescente frustrazione nel sentirsi ignorato, sottovalutato e sminuito come essere umano dopo essere stato a lungo a servizio della nazione. L’attore britannico passa dall’estrema vulnerabilità a una rabbia minacciosa, oltre a essere davvero intenso nella scena in cui Brian ammette di essere già consapevole di quale sarà l’epilogo della situazione.
Accanto a lui Leyva e Beharie sono altrettanto brave nel delineare due donne divise tra l’empatia che provano nei confronti dell’uomo e il terrore di subire le drammatiche conseguenze delle sue scelte.
Michael Kenneth Williams, nonostante la presenza limitata sullo schermo, è in grado di tratteggiare una presenza sensibile in un contesto spietato e poco attento ai bisogni del prossimo e la sua performance ricorda il talento del compianto attore. La naturalezza e simpatia di London Covington aggiunge un po’ di leggerezza all’intensa storia, mentre Connie Britton e il resto del cast impegnato nelle scene nella redazione non lasciano purtroppo il segno, tuttavia l’attenzione di Corbin alla regia valorizza le performance di tutti gli interpreti.

Il montaggio di Chris Witt, che intreccia anche dei brevi significativi flashback a ciò che accade all’interno della banca, mantiene alta la tensione fino all’epilogo amaro che fa riflettere sull’assistenza che viene fornita ai veterani al loro ritorno a casa, argomento molto attuale e importante.
892 sfrutta a proprio favore la memorabile performance di Boyega per proporre una storia che merita di essere raccontata e conosciuta.

When You Finish Saving the World – Recensione – Sundance 2022

Jesse Eisenberg si mette alla prova come regista di un lungometraggio con When You Finish Saving the World e le ottime interpretazioni del cast riescono a mettere in secondo piano alcuni difetti nella gestione della narrazione.
Juliane Moore interpreta nel film Evelyn Katz, a capo del rifugio per donne in difficoltà Spruce Haven, mentre la star di Stranger Things Finn Wolfhard ha il ruolo di Ziggy, il figlio della donna che trascorre le sue giornata componendo canzoni e cercando di conquistare il cuore di una sua compagna di scuola, parte affidata ad Alisha Boe, molto coinvolta dal punto di vista politico e sociale.
Ziggy, invece, teme che condividere delle posizioni politiche durante le sue dirette sulla piattaforma HitHat potrebbe causargli qualche problema con i suoi 20.000 follower, cifra che ama ripetere con estremo orgoglio a chiunque, provenienti da tutto mondo. Madre e figlio sembrano incapaci di comunicare tra loro, dando vita a incomprensioni e a una freddezza che contraddistingue il loro rapporto. Evelyn prova quindi a soddisfare il suo istinto materno occupandosi di Kyle (Billy Bark), il brillante figlio di un’ospite della struttura, mentre Ziggy si evolve grazie al confronto con l’amata Lila. Entrambi non sembrano però in grado di trovare in famiglia quel tassello mancante nella propria esistenza di cui sentono la mancanza, provando a colmare quel vuoto altrove.

Eisenberg, regista e sceneggiatore del progetto, mette molto di se stesso e dei ruoli avuti durante la sua carriera nella personalità dei protagonisti e nella prospettiva un po’ distaccata e cinica alla vita. Julianne Moore è davvero brava nell’interpretare una donna che si occupa di persone in difficoltà, pur apparentemente non entrando in connessione emotiva con le donne che la considerano la responsabile della loro salvezza. Il personaggio di Evelyn, con le sue difficoltà nel relazionarsi con Ziggy e al tempo stesso la voglia di essere una madre presente, risulta realistico anche nei momenti in cui compie degli errori apparentemente incomprensibili per una donna nella sua situazione. Bryk, nonostante una minore espressività, regge davvero bene il confronto con l’esprienza dell’attrice nelle conversazioni tra i loro due personaggi e le scene con Evelyn e Kyle, come quella al ristorante, fanno emergere il lato meno intransigente e sensibile della protagonista. Wolfhard è altrettanto bravo nel tratteggiare un teenager alla ricerca della propria identità e consapevole della propria mancanza di preparazione e attenzione per le tematiche sociali, oltre a offrire la giusta dose di insicurezza tipica degli anni dell’adolescenza.


When You Finish Saving the World riesce con bravura a proporre la storia di due persone narcisiste che faticano a entrare in connessione con il prossimo, ma la narrazione ha più di un momento debole e passaggio a vuoto. L’ipocrisia che contraddistingue le azioni e la vita dei protagonisti è gestita bene, tuttavia la presenza fin troppo superficiale del padre e marito Roger (Jay O. Sanders), e l’eccessiva stereotipizzazione dei personaggi secondari, tra giovani attiviste e teenager destinati a un futuro segnato dalla realtà in cui sono cresciuti, non permettono al film di lasciare sempre il segno.
Visivamente il film, grazie all’ottimo lavoro del direttore della fotografia Benjamin Loeb, crea un’atmosfera ben in linea con le emozioni dei personaggi. La narrazione si evolve invece in modo a tratti poco scorrevole fino a un epilogo inevitabile e prevedibile, seppur soddisfacente.
Sospeso tra Lady Bird e un racconto in stile Woody Allen, l’esordio di Jesse Eisenberg dimostra il promettente potenziale dieto la macchina da presa dell’attore e sarà interessante scoprire se si metterà alla prova con atmosfere e racconti di diverso genere.

The Princess – Recensione – Sundance 2022

La vita di Diana Spencer è tornata protagonista sul piccolo e grande schermo negli ultimi anni, tra serie come The Crown e il film di Pablo Larraín con star Kristen Stewart, e ora il documentario The Princess sceglie un approccio totalmente nuovo, e molto efficace, agli eventi che hanno preso il via dopo il fidanzamento con il principe Carlo.
Il regista Ed Perkins ha infatti scelto di usare esclusivamente materiali d’archivio, ripercorrendo quanto accaduto tramite la prospettiva di un osservatore esterno, sottolineando in questo modo il ruolo avuto dai mezzi di comunicazione nel delineare un personaggio che è stato amato, criticato, giudicato e poi trasformato in un’icona dall’opinione pubblica.

The Princess si apre con un significativo filmato che mostra l’attenzione dei paparazzi e delle persone comuni alla presenza di Diana a Parigi, poche ore prima della sua morte quando, fuori dall’hotel Ritz, c’era un muro umano pronto a immortalare l’ex moglie di Carlo o vederne rapidamente il volto. Il film ritorna poi ai primi momenti in cui i media hanno iniziato a rivolgere la propria attenzione nei confronti della giovane che sembrava aver conquistato il cuore dell’erede al trono britannico. Assistere all’evoluzione della sua relazione con Carlo, sapendone già la sua drammatica conclusione, obbliga a riflettere sul modo in cui la realtà diventa automaticamente finzione nel momento in cui le persone iniziano a interpretare, analizzare e commentare ogni comportamento, espressione e gesto compiuto in pubblico. Il documentario, pur offrendo un esaustivo riepilogo di quanto accaduto, mostra infatti una giovane trasformata in una principessa perfetta, con commenti legati alle favole e al suo atteggiamento innocente e timido, destinata a diventare la moglie ideale con la sua bellezza, le origini nobili e una personalità più vicina al popolo che alle rigide regole della famiglia reale. Passo dopo passo, tramite spezzoni di telegiornali e titoli dei quotidiani, si rivolge quindi lo sguardo verso un’attenzione che ha portato a un loop da cui apparentemente era impossibile uscire all’insegna della curiosità delle persone comuni nei confronti di una principessa ai loro occhi ideale e ricerca spasmodica di dettagli che potessero confermare questa visione o, al contrario, far emergere scandali perfetti per attirare ancora di più i lettori e gli spettatori. Il documentario non va alla ricerca di una “verità” legata a quanto stava accadendo nella vita reale, dando spazio in modo particolarmente efficace e coinvolgente a un paradosso che ha contraddistinto la vita di Diana: più emergevano elementi legati alla sua vita privata, con una totale mancanza di rispetto della privacy, più la sua esistenza diventava finzione, una creazione dei fan e dei giornalisti che si erano formati un’idea propria, scambiandola per verità.

Il documentario di Perkins non condanna e non giudica, pur facendo intendere tra le righe il punto di vista del filmmaker riguardante quanto accaduto, diventando una visione necessaria per meditare sulle conseguenze della fama e della popolarità. Il carisma e il fascino di Diana l’hanno resa inevitabilmente una vittima dell’attenzione degli altri e, nonostante i suoi tentativi di gestire a proprio favore in più momenti la stampa, è stata proprio lei a pagarne le conseguenze costringendo la società a meditare. The Princess risulta così davvero interessante per andare oltre le apparenze e capire quanto i singoli cittadini siano in parte responsabile della continua invasione della privacy delle celebrità, non solo dei membri della famiglia reale, considerandole erroneamente in base all’imagine che ognuno crea nella propria mente basandosi su notizie riportate e nessuna conoscenza diretta. Nel documentario c’è spazio anche a un momento in cui Sarah Ferguson ammette nel salotto televisivo di Oprah Winfrey di non essere a conoscenza di quanto stesse realmente accadendo nella vita della cognata, sottolineando che era stata molto brava nel non lasciar trapelare alcun dettaglio, eppure l’opinione pubblica era già stata pronta a giudicare condannare o salvare e si era sentita in diritto di esprimere opinioni e commenti. The Princess non aggiunge nulla alla conoscenza che si può avere di Diana Spencer, tuttavia dice molto sulla società in cui ha vissuto e dovrebbe far riflettere sulla direzione che bisognerebbe prendere per suscitare maggiore empatia e rispetto nei confronti del prossimo, celebrità comprese.

Dreams of Alice, recensione – Canneseries 2021

La serie russa Dreams of Alice regala con il suo primo episodio, presentato al Canneseries 2021, un’introduzione davvero convincente, e a tratti disturbante, a un mondo in cui realtà e finzione si confondono e scontrano.
Gli elementi che compongono la struttura narrativa del progetto sono già stati utilizzati in passato, tuttavia, il risultato finale è particolarmente originale e intrigante.

Gli eventi sono ambientati in una cittadina nell’area nord della Russia, vicino a una base militare segreta, e in cui sembra aleggiare qualcosa di strano e misterioso e che sembra rendere impossibile abbandonare. La giovane Alice affronta terrificanti visioni legate al suo futuro e si ritrova in difficoltà a casa e a scuola, dove viene emarginata e bullizzata. La teenager sogna di andarsene con la sua migliore amica, ma il suo desiderio sembra quasi impossibile da realizzare.

L’attrice Alina Gvasaliya è molto brava nell’interpretare la protagonista e i suoi tanti problemi, emotivi e sociali, ma a lasciare il segno è l’atmosfera di grande impatto creato dalla storia firmata da Anastasiya Volkova con il contributo della fotografia di Ilya Ovsenev.
A dare ritmo e a sostenere la complessa e intricata struttura di Dreams of Alice è inoltre il montaggio firmato da Alexandra Koroleva che confonde e crea quel senso di spaesamento e mistero necessario a tenere alta l’attenzione sulla storia.

Il pilot convince e dimostra un ottimo potenziale, ma i tanti elementi che compongono la struttura e l’elemento sovrannaturale legato alla leggenda di quanto accaduto secoli prima alle donne accusate di stregoneria potrebbero causare qualche problema se non gestiti nel migliore dei modi. L’esordio della serie, tuttavia, è davvero interessante e promettente.

Kljun (Awake), recensione – Canneseries 2021

Kljun (Awake), presentata in anteprima a Canneseries 2021, prova a fondere elementi sovrannaturali ai classici schemi delle storie di detective, proponendo un mix di indagini e misteri inspiegabili che potrebbe risultare vincente se gestito nel migliore dei modi dagli autori.

L’attrice Ivana Vukovic interpreta Sonja Kljun, una giovane e ambiziosa detective che cerca di dimostrare che un caso indicato come suicidio nasconda qualcosa di più oscuro e misterioso. La donna deve fare i conti con lo scetticismo dei suoi superiori e più di un ostacolo, mentre la figlia inizia a fare dei sogni insoliti che sembrano in grado di predire quello che accadrà in realtà.

L’atmosfera fredda e rarefatta che contraddistingue la serie, enfatizzata dalla fotografia firmata da Dušan Grubin, contribuisce a dare una sfumatura originale agli eventi portati sugli schermi. I titoli di testa, davvero suggestivi e a tratti inquietanti, introducono in modo brillante l’intreccio particolare creato dalla sceneggiatura firmata da Ljubica Lukovic e Matija Dragojević, forse in più passaggi fin troppo complicata.
La protagonista è ben interpretata da Vuković che delinea un personaggio femminile spigoloso ed enigmatico che, in più di un momento, ricorda quasi la protagonista di Omicidio a Easttown per la sua capacità di essere se stessa e scontrarsi con un mondo prevalentemente maschile e poco accogliente.
Il rapporto con la figlia e con i suoi colleghi saranno due degli elementi narrativi di cui sarà interessante vedere l’evoluzione.


I primi due episodi possiedono comunque un buon potenziale che porta a pensare che Kljun si inserirebbe senza troppe difficoltà nelle proposte internazionali presenti nel catalogo di piattaforme di streaming come Netflix, dove progetti analoghi hanno già ottenuto un buon successo.

Mister 8, recensione – Canneseries 2021

Arriva dalla Finlandia la black comedy Mister 8 che regala un approccio inaspettato e a tratti esilarante alle relazioni sentimentali.
La serie, presentata a Canneseries 2021, propone una protagonista femminile, Maria (Krista Kosonen), determinata e sicura di se stessa, in grado di gestire in veste di CEO l’azienda di famiglia e ben sette compagni, uno per ogni giorno della settimana. La situazione si complica però dopo l’incontro con Juho (Pekka Strong), che deve trovare un modo per farsi strada nel cuore e nell’affollata quotidianità della donna.

La serie scritta da Vesa Virtanen, Teemu Nikki e Antero Joniken regala una storia ricca di sorprese sovvertendo ogni regola delle comedy romantiche. Maria, a differenza di tantissime protagoniste approdate prima di lei sul grande e piccolo schermo, non va alla ricerca dell’anima gemella e sceglie come partner uomini totalmente diversi tra loro: dall’appassionato di fitness all’intellettuale, dal solitario che vive nella natura al padre di famiglia… L’ottimo feeling creato da Krista Kosonen e Pekka Strang sostiene questa bizzarra rete di relazioni sentimentali e le interazioni tra i vari personaggi maschili, totalmente consapevoli delle dinamiche di cui sono protagonisti, regalando più di un momento esilarante.

A sostenere una sceneggiatura in più momenti fragile e fin troppo irrealistica, è però Krista Kosonen che sa trasformarsi e adattarsi facendo emergere di volta in volta un lato diverso della personalità di Maria, personaggio femminile che decide volontariamente di non sacrificare nessun aspetto di se stessa per il proprio partner e non esita a lasciarsi andare per apprezzare al massimo la sua dimensione privata.

Le prime due puntate intrigano lo spettatore e lasciano la voglia di scoprire in che modo si evolverà questa equazione sentimentale con fin troppi fattori, suscitando la curiosità di scoprire se Maria scivolerà nelle convenzioni sociali o troverà il modo di fare spazio anche per Juho.

Limbo… Hasta que lo decida, recensione – Canneseries 2021

Il duo composto da Mariano Cohn e Gastón Duprat, dopo l’esilarante e tagliente Competencia Oficial presentato alla Mostra del Cinema di Venezia, approdano sul piccolo schermo con Limbo… Hasta que lo decida, serie prossimamente in arrivo su Star+ presentata a Canneseries 2021.
I primi episodi del progetto anticipano una storia che sembra fondere l’atmosfera di Succession a quella di Elite, sostenendosi grazie a un’interpretazione davvero convincente della protagonista Clara Lago.

Al centro della trama c’è la giovane miliardaria Sofia, con una vita lussuosa e senza alcuna preoccupazione. Quando il padre muore, la giovane torna a Buenos Aires dove si trova alle prese con i membri della propria famiglia, le loro aspettative, e il futuro degli affari del padre, di cui inizia a scoprire un lato inaspettato. Sofia, mentre indaga sul proprio passato, inizia a provare il desiderio di dimostrare il proprio valore e userà dei metodi inaspettati per trasformare se stessa e il suo futuro.

La voce narrante di Sofia trasporta gli spettatori nel suo mondo fatto di privilegi e conflitti e Sofia Castello è molto brava nell’interpretare una giovane abituata a un’esistenza sempre portata all’estremo e a conflitti che fanno emergere il suo lato più ribelle e irriverente, soprattutto quando si trova a scontrarsi con i fratelli. Le prime puntate gettano le basi per un’evoluzione che potrebbe risultare molto interessante e ricca di sorprese, oltre a introdurre alcuni indizi legati a misteri legati alla famiglia e al passato del padre.

Il progetto creato da Cohn e Duprat sembra possedere un ottimo potenziale per rivolgersi al pubblico internazionale e la fotografia firmata da Daniel Ortega rende glamour e visivamente d’impatto le scene nei locali, negli spazi della residenza di famiglia e nei negozi più esclusivi, pur sottolineando cromaticamente le ombre che contraddistinguono la vita della protagonista. A segnare il destino del progetto televisivo sembra prevalentemente l’eventuale capacità di rendere i personaggi secondari tridimensionali dopo un avvio della narrazione in cui scivolano in più momenti negli stereotipi degli uomini di affari freddi, snob e incapaci di un reale coinvolgimento emotivo.

Limbo… Hasta que lo decida riesce comunque a convincere nonostante non proponga nulla di realmente originale o non visto sugli schermi, lasciando in sospeso il giudizio in attesa di scoprire in che modo si evolverà la storia della dark lady Sofia.

Caro Evan Hansen non è perfetto, ma è un racconto attuale e necessario

Caro Evan Hansen, dopo il successo ottenuto a Broadway, approda sul grande schermo con un film diretto da Stephen Chbosky (Noi siamo infinito, Wonder) che mette a frutto la sua sensibilità per adattare una storia non priva di insidie e che deve fare i conti con le difficoltà legate a un passaggio dal palco alle sale non sempre vincente.
La presentazione al Toronto Film Festival (in Italia l’appuntamento è per la presentazione ad Alice Nella città in attesa della distribuzione ufficiale nei cinema il 2 dicembre) e il debutto negli Stati Uniti ha ottenuto un’accoglienza non del tutto positiva, ma a prescindere dal risultato finale non del tutto all’altezza del valore della produzione teatrale, la storia del giovane che soffre di ansia sociale, interpretato a teatro e sul set cinematografico da Ben Platt (The Politician) possiede tutti gli elementi necessari a rendere la visione utile, significativa e necessaria agli adolescenti, e non solo, per il modo in cui affronta in modo realistico, e a tratti persino cinico, le difficoltà quotidiane che le persone vivono nella società contemporanea.

Al centro della trama c’è il giovane Evan (Platt) che si ritrova, involontariamente, a essere coinvolto nella vita della famiglia di un suo compagno di classe, Connor (Colton Ryan), che si è tolto la vita. Il teenager, incapace di far soffrire ancora di più i genitori del teenager (Amy Adams e Danny Pino), finge di essere stato in segreto il miglior amico di Connor e, quella che inizialmente sembrava una bugia innocente, inizia ad avere delle conseguenze inaspettate, facendolo avvicinare a Zoe (Kaitlyn Dever), la ragazza dei suoi sogni, all’amico di famiglia Jared (Nik Dodani) che lo aiuta a creare una finta corrispondenza per mantenere la bugia, ad Alana (Amandla Stenberg) che coglie l’occasione per provare a fare la differenza tra i corridoi della scuola, e a se stesso, pur allontanandolo dalla madre Heidi (Julianne Moore), che da quando il padre di Evan li ha lasciati fa fatica a gestire la sua situazione di madre single che deve lavorare e prova in tutti i modi a sostenere un ragazzo sensibile e alle prese con l’ansia.

Il musical con le canzoni di Benji Pasek e Justin Paul è riuscito a trovare il modo di entrare in connessione con gli spettatori portando in scena una rappresentazione dura e realistica di cosa vuol dire provare a diventare adulti ed essere genitori in una società in cui la pressione sociale sta aumentando esponenzialmente grazie ai social media, in grado di promuovere iniziative positive e al tempo stesso, in molti casi, di minare profondamente l’autostima e la sicurezza di chi li utilizza, diventando una finestra in cui ci si propone al mondo spesso venendo totalmente ignorati o, ben peggio, criticati.
Caro Evan Hansen pone al centro della propria storia proprio il bisogno di essere visti, ascoltati, notati e capiti che accomuna tutte le persone, a ogni età, dando spazio a come questo istinto umano possa avere un risvolto positivo creando empatia e legami e, al tempo stesso, rischiare di far sentire ancora più soli ed emarginati. Il racconto firmato dal duo Pasek e Paul con lo sceneggiatore Steven Levenson porta in scena un gruppo di personaggi che non diventano mai “eroi” e continuano a compiere errori, faticando a trovarare l’equilibrio in grado di tenerli a galla nonostante le tante difficoltà.
Caro Evan Hansen ha il grande merito di rappresentare la fatica che, soprattutto i giovani, vivono nel tentativo di entrare a far parte di un gruppo e sentirsi accettati dai propri coetanei, spesso sacrificando nel complicato processo il compito ben più importante di trovare la propria identità e strada per un futuro sereno.

Il musical non propone mai modelli, ma persone a pezzi per vari motivi, dalla fine di un amore alle dipendenze, dall’ansia sociale alle liti in famiglia, e, soprattutto, ritraendo le insicurezze profonde che spesso si nascondono dietro un’apparente normalità e serenità.
Non ci sono adulti da prendere a esempio, non si dà spazio a teenager modelli di vita, non c’è spazio per insegnanti in grado di ispirare o leader da seguire, ma persone comuni e complicate che affrontano perdite, lutti, solitudini e istinti suicidi senza mai avere a portata di mano la risposta alle proprie domande, che sembra sempre sfuggente e sempre più lontana. Distanziandosi dai classici schemi dei racconti di formazione, le vicissitudini che affronta Evan sono un mix di sbagli animati da buone intenzioni e paure profonde, di cui non si comprende la portata fino a quando forse è troppo tardi. La rete complessa di relazioni e rimpianti che emergono progressivamente viene sostenuta da un’idea importante e che spesso viene trattata in modo stucchevole e stereotipata: nessuno merita di essere dimenticato o “scomparire”. Partendo da Waving through the window e passando poi per la hit You Will Be Found, fino a For Forever, i brani di Pasek e Paul esprimono in modo accurato e coinvolgente le emozioni provate da chi deve fare i conti con solitudine, incomprensione, depressione e ansie che hanno un impatto a volte devastante nella vita, soprattutto dei più giovani. L’aggiunta di The Anonymous Ones, canzone ideata in collaborazione con l’attrice Amandla Stenberg, enfatizza ancora di più il desiderio di ricordare agli spettatori che bisogna andare oltre l’apparenza per capire veramente una persona, non lasciandosi ingannare dall’immagine costruita per gli altri.

Caro Evan Hansen, pur avendo al centro il tema del suicidio, non è una storia sul lutto e sulle conseguenze della morte spesso all’insegna dell’ipocrisia e dei finti rimpianti, ma si concentra invece sul desiderio di vivere, amare e creare dei legami e uscire dalla convinzione di essere totalmente invisibili, condannati ad andare incontro agli ostacoli da soli rimanendo anonimi e senza che nessuno si accorga di quanto ci sta accadendo. Non si tratta di un ritratto di singoli individui, ma di diverse generazioni che faticano a trovare punti di contatto, tra genitori distanti che non capiscono del tutto i propri figli, teenager che cercano ognuno a proprio modo il giusto approccio a un periodo di cambiamenti, vuoti che si cerca di colmare e sensi di colpa che si spera di placare, personaggi come Zoe costretti a crescere troppo in fretta che nascondono il dolore e usano la propria resilienza per riuscire ad affrontare i momenti bui, pur essendo consapevole delle conseguenze dell’assenza di un affetto in famiglia e tra fratelli che alle volte si dà per scontato. E poi c’è Evan Hansen, con il suo disagio interiore, il desiderio di aiutare gli altri senza nemmeno essere in grado di aiutare se stesso, e un bisogno d’amore che in più occasioni offusca la necessità di imparare ad ammettere i propri limiti e accettarsi. Presenze tratteggiate dagli autori e dagli interpreti con delicatezza e comprensione, senza mai giudicare nemmeno quando le scelte compiute sono profondamente sbagliate. Non c’è, infatti, un approccio edulcorato agli eventi portati in scena e, pur non dando troppo spazio alle conseguenze, si sottolinea in più momenti come sia impossibile giustificare certi errori, anche se ne comprendono le motivazioni alla base.
Il film, come il musical, non è perfetto e non cerca nemmeno di esserlo, ma ha la grande forza di ribadire a gran voce che c’è sempre spazio per la speranza e, anche nei momenti di maggiore sconforto, c’è chi è in grado di aiutare a superare i passaggi più bui della propria esistenza e trovare il proprio spazio nel mondo. Un messaggio, quello di Caro Evan Hansen di cui c’è sempre più bisogno e che va trasmesso, ascoltato e sostenuto per provare a dare vita a un cambiamento necessario nel modo in cui ci relazionamo tra esseri umani.

Figli del mondo – La graphic novel ispirata ai brani di Francesco De Gregori che omaggia i cani

Figli del mondo è l’affascinante graphic novel scaricabile gratuitamente sul sito di LNDC Animal Protection (a questo link) che omaggia i cani, molto presenti nei brani di Francesco De Gregori.

Tramite citazioni e immagini, ispirati a venti canzoni del cantautore romano, viene raccontato tra le pagine l’intreccio d’amore, e di silenziosa comprensione capace di creare non solo legami tanto intensi quanto indissolubili, ma anche momenti di intimità unici, come quelli che segnano il cammino delle grandi amicizie della vita. Il rapporto tra l’uomo e il cane, quindi, può ed è tutto questo, sia nelle canzoni di De Gregori sia nelle attività giornaliere di LNDC Animal Protection, degli oltre 3mila volontari e di tutto il team dell’associazione che strenuamente lavora per portare questi preziosi compagni di vita ad essere rispettati, protetti, riconosciuti, amati, ma anche spesso salvati da morte certa. La lotta per la vita e l’amore che ne scaturisce, infatti, è l’altro tema al centro dell’opera, densa anche di momenti poetici e riflessivi nei quali uomo e animale viaggiano senza ombra di dubbio sulla stessa strada, dentro un orizzonte comune.

Da Quattro cani fino a Due Zingari e Sempre per sempre le immagini di questa amicizia scorrono nelle pagine della graphic novel scritta e voluta da Michele Pezone, responsabile diritti animali LNDC Animal Protection che, con questo lavoro, ha voluto togliersi le vesti di avvocato a difesa degli animali per indossare quelle, decisamente più romantiche, di uomo in osservazione della vita. “La storia raccontata”, spiega Pezone, “è stata illustrata dal mio caro amico Francesco Di Gregorio e Francesco Colafella, valorizzata poi dal progetto grafico di Silvia Paglione. Vuole essere un omaggio da parte di LNDC, oltre che mio, a De Gregori per ringraziarlo di tutto quello che, senza saperlo, è stato per me e per tutte le persone che nei suoi brani hanno ritrovato e nutrito tante parti preziose di sé. E che continueranno a farlo, perché parole e musica non sbiadiscono, come la luce dell’antica e intramontabile amicizia che lega uomini e animali”.  

The Rural Diaries – Hilarie Burton Morgan: recensione

The Rural Diaries di Hilarie Burton Morgan è più di un’autobiografia: fin dalle prime pagine è in grado di far immergere i lettori in un’atmosfera piena di calore e onestà.
Dopo aver letto solo il prologo, personalmente, ho inserito il nome dell’attrice nella lista delle celebrities che vorrei tra i miei migliori amici in una dimensione parallela: non solo da bambina aveva degli ottimi gusti letterari, ma è riuscita a realizzare un sogno che una parte di me ha sempre avuto, ovvero vivere in una residenza in mezzo al verde e occuparsi di animali e piante restando distante da una società in cui i rapporti umani sono numerosi e, nella maggior parte dei casi, purtroppo sporadici e superficiali. James Herriot, Cime Tempestose, Black Beauty e i paesaggi fantastici e meravigliosi di capolavori come Il Signore degli Anelli e le Cronache di Narnia hanno influenzato la mia infanzia e hanno reso incredibilmente semplice comprendere le motivazioni che hanno spinto Hilarie e Jeffrey Dean Morgan a trasferirsi in una fattoria nell’area dell’Hudson Valley.

A metà tra Stars Hollow di Una mamma per amica e un’atmosfera in stile campagna inglese, il mondo raccontato tra le pagine sembra quasi troppo idilliaco per essere vero e l’attrice riesce a descrivere gli abitanti, le difficoltà quotidiane e ciò che anima la comunità quasi come se fosse un romanzo, senza evitare di affrontare tematiche drammatiche come le molestie sessuali subite durante la realizzazione di One Tree Hill, i problemi di fertilità, lutti e sconfitte. Hilarie Burton ha uno stile di scrittura scorrevole e non esita a condividere le proprie emozioni, permettendo così ai lettori di seguire l’evoluzione della sua vita privata e professionale senza filtri. La presenza tra le pagine di consigli pratici, ricette e foto rende la lettura ancora più stimolante e The Rural Diaries trasmette progressivamente la sensazione di non stare leggendo, ma avendo una conversazione con un’amica che non si vedeva da tempo e con cui sei felice di riprendere i contatti scoprendo cosa le è accaduto negli anni in cui non si hanno avuto contatti.

Il racconto del modo in cui si è evoluta la storia d’amore con Jeffrey Dean Morgan è proposto con una, forse, inaspettata onestà, senza nascondere i momenti di difficoltà e i problemi di comunicazione che avrebbero potuto causare un allontanamento. La rappresentazione mai idealizzata del loro rapporto è uno degli elementi migliori dell’opera e rende impossibile non vedere i post condivisi sui social media dalla coppia con ancora più affetto e simpatia.
Al termine della lettura, davvero scorrevole e coinvolgente, diventa complicato non dover fare i conti con la voglia di trascorrere più tempo in mezzo alla natura o resistere alla tentazione di trovare un modo per ordinare i dolci di Samuel’s oltreoceano, per provare tutte le specialità del negozio e poter sostenerne l’attività anche a distanza.

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